Formado en 1987, el grupo tomó su nombre de las iniciales de los apellidos de sus miembros: Tatiana Arzamásova, Lev Evzovich, Evguéni Sviatskí y Vladímir Fridkes, que se unió posteriormente en 1995. En sus proyectos fotográficos y sus instalaciones de vídeo multicanal, filmadas con un estilo hipnótico, los artistas construyen escenarios apocalípticos del futuro, analizan el lenguaje de los medios de comunicación modernos y diseccionan los estereotipos sociales hasta el absurdo.
El multiculturalismo, la influencia mutua de Oriente y Occidente, el culto a la juventud y la belleza, los mitos antiguos, el homenaje al gran arte del Renacimiento, la tecnocracia y el triunfo del feminismo son algunos de los temas que han tratado en la última década.
Tania Ajmetgálieva. Abanico de cristales #2
Galería Marina GisichArtista gráfica y creadora de instalaciones memorables en las que los bordados del lienzo se inmiscuyen en el espacio circundante con “hilos de memoria”, Ajmetgálieva nació en Kémerovo, estudió en San Petersburgo y vive y trabaja en las dos capitales rusas.
Tania Aymetgalieva. Etapa pupal
kandinsky-prizeSu gran debut se produjo en 2010 en la Bienal de los Urales de Ekaterimburgo. Desde entonces, su obra se ha expuesto en un puñado de galerías europeas, y sus vívidos gráficos surrealistas se han mostrado en museos y galerías de todo el mundo.
Yuri Albert. 'No soy Jasper Johns', 1980
Sreda obucheniaAlbert pertenece a la generación de la nueva ola del conceptualismo moscovita de la década de 1980. Intenta dilucidar las preguntas clave “¿Qué es el arte” y “¿Quién es un artista?”, y lo hace con una gran dosis de ironía.
Yuri Albert. Colores básicos ,1987
Colección de Ekaterina y Vladimir SemenikhinAclarando la posición del artista en el sistema del arte, Albert se pasea libremente por las páginas de la historia del arte, llevando las nociones convencionales y los estereotipos hasta el absurdo.
Evguéni Antufiev. De la exposición "Doce, madera, delfín, cuchillo, cuenco, máscara, cristal, huesos y mármol - fusión. Explorando materiales".
MAMM/MDFLa carrera de Antufiev comenzó muy pronto y con éxito. Tras ser descubierto por los comisarios de arte de Moscú a la tierna edad de 23 años, Antufiev pronto recibió el Premio Kandinski al Mejor Artista Joven y entró en la órbita internacional, participando en varios eventos europeos, como la Bienal Manifesta de Zúrich.
Evguéni Antufiev. De la exposición "Doce, madera, delfín, cuchillo, cuenco, máscara, cristal, huesos y mármol - fusión. Explorando materiales".
MAMM/MDFEn sus obras se aprecia la influencia del chamanismo, muy extendido en su tierra natal, Tuvá, en el sur de Siberia, pero en general el contexto es más amplio: la transformación de mitos arcaicos y la actualización de la conciencia mágica.
La obra de Dmitri Aske en el festival de arte callejero Urban Morphogenesis, 2019.
Serguéi Mámontov / SputnikComenzó a pintar grafitis en la década de 2000, al tiempo que se dedicaba al diseño gráfico y la ilustración y era autor de murales a gran escala en Moscú, Vladivostok, Mannheim (Alemania) y otras ciudades. Tras alcanzar la popularidad en el arte callejero, pasó a realizar exitosas ventas en galerías e importantes colaboraciones con marcas famosas (entre ellas Nike y Sony).
Dmitri Aske n.º 1 de la serie "Día y noche", 2016
VladeyEntre las obras reconocibles de los últimos años se encuentran sus esculturas de gran formato para exteriores y los relieves multicapa para interiores realizados en madera contrachapada con salpicaduras de color local e imágenes en mosaico.
Andréi Bartenev durante la entrega anual de los "Silver Galosh Awards", 2009
Gennady Usoev/Global Look PressLas tácticas de choque son su especialidad. Pero la provocación es siempre irónica, llamativa y carnavalesca. Bartenev es el artista más extravagante de Rusia, un diseñador de moda y showman, un festival de un solo hombre. Ha diseñado trajes para representaciones teatrales desde Moscú hasta Nueva York, ha creado instalaciones multimedia y ha dirigido grandes espectáculos de disfraces; vestido con atuendos surrealistas, él mismo es una “representación andante”.
Composición "Worker and Kolkhoz Woman" en la exposición individual de Andréi Bartenev "Decoupage" en Korpus 3 gallery & concept store, 2009
Valery Sharifulin / TASSPintor, productor de arte, diseñador de museos e ilustrador son algunos de sus otros títulos de trabajo.
Konstantín Batinkov. De la serie GOAL
MAMM/MDFDurante muchos años, los cuadros y gráficos de Batinkov fueron exclusivamente en blanco y negro. Él atribuye su estilo monocromo a las impresiones de su infancia al ver la televisión en blanco y negro.
Konstantín Batinkov. Kremlin, 2012
VladeyCon el tiempo, el color se filtró en sus obras, pero los temas siguieron siendo “infantiles”: barcos, aviones, multitudes con el telón de fondo de paisajes majestuosos. Más romance que drama. Eso sí, los subtextos de sus obras están lejos de ser ingenuos.
Los campos explorados por Bayever son el vídeo, las instalaciones, los objetos de arte y la pintura. La artista lanza una mirada crítica sobre el contexto contemporáneo, creando obras irónicas y absurdas basadas en situaciones reales y modelando un futuro alternativo.
Incluso en su proyecto de graduación, por ejemplo, exploró la corrupción en el sistema educativo intentando comprar un diploma falso: el resultado fue una película de animación con diálogos reales. Sus vídeos posteriores reflejan la temática de los programas de televisión, la estética de los años 60, la nueva ola del cine, la desigualdad social y de género y la cultura pop de los años 90.
Piotr Belyi. Silencio
kandinsky-prizeLa juventud de este artista nacido en San Petersburgo coincidió con la perestroika y sus constantes cambios de paradigma. Su respuesta personal a esta situación fue la preocupación por la desaparición de la cultura material. El propio Piotr describe su método como “modelado conmemorativo”, lo que implica la deconstrucción y reinterpretación de patrones anteriores.
Piotr Belyi. La Fuente, 2013
VladeyA principios del nuevo milenio, vivía en Londres, pero desde entonces ha vuelto a su ciudad natal. En los últimos 15 años, también se ha hecho un nombre como comisario e investigador de la cultura visual.
Serguéi Bratkov. Wow, 2016
ovcharenko.artLa escuela de fotografía de Járkov, liderada por el reconocido Borís Mijáilov, tuvo una gran influencia en este fotógrafo y artista. Desarrollada en los años sesenta y setenta, la escuela destacó por centrarse en temas sociales y temas indecorosos no aptos para los periódicos y revistas soviéticos.
Serguéi Bratkov. Cien. Del "Imperio de los sueños" 2017
MAMM/MDFLos primeros trabajos de Bratkov documentaban la realidad que le rodeaba, pero pronto pasó a crear collages, objetos de arte e instalaciones con fotografía. De forma irónica y poética, el artista plantea los temas de la búsqueda de la propia identidad, la militarización de la sociedad y el poder del consumismo y la publicidad.
Alexander Brodski. Obras de arte de PO-2 en el festival Archstoyanie 2018.
Yulia Abzaltdinova / Parque de arte Nikola LenivetsArquitecto de formación, en la década de 1980 fue una de las figuras clave de la tendencia de la “arquitectura de papel”, un fenómeno de finales de la era soviética por el que los arquitectos con talento escapaban de la aburrida realidad diseñando edificios imaginarios que invariablemente causaban sensación en los concursos internacionales.
Alexander Brodski. Rotonda en el parque de arte Nikola Lenivets, 2009
Mijaíl Fomichev / SputnikEn el periodo postsoviético, Brodski encontró una salida para sus fantasías: instalaciones totales, objetos artísticos que dan forma al espacio que los rodea, incluidos los parques. Como artista, su interés radica en la impermanencia y la fragilidad de la memoria, tanto personal como colectiva; construye puentes inestables hacia el pasado soviético y los recuerdos de la infancia, habla de una cultura perdida y del paso del tiempo, y lo hace con sutileza y precisión, jugando en semitonos.
Grigori Bruskin. Léxico fundamental, 1986
Colección de Ekaterina y Vladímir SemenijinLa fama mundial llegó a este artista en 1988 tras una subasta de Sotheby's en Moscú. Su serie Fundamental Lexicon fue el lote principal, vendido por 242.000 libras, más de 10 veces el precio esperado. Sólo unos meses antes, el director de cine Milos Forman había comprado la primera parte de Lexicon por sólo 2.000 rublos.
Grigori Bruskin. Fundamental Lexicon
Colección de Ekaterina y Vladímir SemenijinUn año después, el artista se trasladó a Estados Unidos y ahora divide su tiempo entre Nueva York y Moscú. Su recurso favorito es la estructura de diccionario: el mundo es como un libro en el que se entretejen el Antiguo Testamento y la mitología soviética. Transforma la memoria cultural de múltiples generaciones en una pieza de teatro representada ante el espectador por figuras simbólicas.
Erik Bulatov. Gloria al PCUS, 2002-2005
Legion MediaBulatov está considerado tanto el fundador del Sots Art (también conocido como arte pop soviético) como el pionero del conceptualismo moscovita. La importancia de su obra radica en la intersección del texto y la imagen: sus cuadros de objet d'art, a partir de la década de 1970, retratan la vida soviética omnipresente, llena de preceptos y prohibiciones.
Erik Bulatov. Esto es lo que hay. 2000
Colección de Ekaterina y Vladímir SemenijinLos típicos paisajes de las postales se superponen simbólicamente con textos de la vida cotidiana: “Prohibido entrar”, “Gloria al PCUS”, “Bienvenido”. Después de emigrar a Francia, los eslóganes soviéticos fueron sustituidos por líneas de poesía, y el tono general de este artista clásico se volvió más alegre.
Olga Chernisheva. De la serie Pescadores-Plantas (Anabiosis), 2000
Fundación de Arte Stella“Revelo las raíces absurdas de la normalidad”, aclara Olga cuando se la califica de artista realista. El absurdo es la base, el eje, que recorre casi todas sus obras, ya sea un cuadro de limpiadores de ventanas de rascacielos o una fotografía con lámparas de cristal en un bosque junto a la autopista.
Olga Chernisheva. Untitled. De la serie Plots, 2005
Fundación de Arte StellaChernisheva es una de las artistas rusas más comerciales del mundo, cuya obra ha figurado en el programa principal de la Bienal de Venecia y en la Manifesta de Zúrich. Se han celebrado exposiciones de su obra desde Moscú hasta Londres y Nueva York.
Aristarj Chernishev. Antique Head, 2021
Inteco collectionEste pionero del arte mediático en Rusia comenzó su carrera creativa en 1991. Sus objetos artísticos, tecnológicos y a menudo interactivos, hacen uso de la impresión 3D, el vídeo, la RV, la RA y otras tecnologías, aventurándose a menudo en el ámbito de la ciencia ficción. Inventa nuevos artilugios y servicios relacionados con el desarrollo futuro de las redes sociales, la ingeniería genética y la inteligencia artificial.
Entre sus nuevos proyectos destaca PiO (personal informational organism), un híbrido de sanguijuela y teléfono inteligente que vive en la muñeca de su propietario, se alimenta de su sangre y monitoriza su salud a cambio.
Valeri Chtak. No lo sé - Soy de Moscú, 2019
VladeyEl encanto de los cuadros textuales de Chtak reside en su frecuente pero discreto absurdo. Por ejemplo: “El kung fu no es marxismo: o lo sabes practicar o no lo sabes” o “No lo sé, soy de Moscú”.
Valeri Chtak. Untitled, 2010
VladeyLas frases al azar parecen arrancadas de la corriente del discurso callejero; a veces, en medio de tal absurdo, se puede vislumbrar una especie de sabiduría. La estética del arte callejero y la performatividad del gesto son perceptibles tanto en los lienzos de la firma del artista como en sus instalaciones.
El Grupo de Acciones Colectivas. Acción 'Pelota'. 1977
George Kiesewalter/Garage Museo de Arte ContemporáneoEl grupo fue fundado a mediados de la década de 1970 por el conceptualista Andréi Monastirski. Su composición era fluida, y los espectadores especialmente invitados podían unirse a las acciones del grupo (curiosamente, esta inclusión se convirtió en una tendencia importante en el arte contemporáneo).
Instalación de Andréi Monastirski y El Grupo de Acciones Colectivas
Fundación de Arte StellaAC organizó acciones fuera de Moscú, en el regazo de la naturaleza, donde no podían ser rastreados por las autoridades. Sus acciones eran en su mayoría absurdas, más parecidas a rituales místicos o prácticas espirituales, en las que los participantes seguían instrucciones especialmente prescritas.
Exposición "Cuentos del abuelo" de Vladímir Dubossarski. Destilaciones de la serie "Mundo animal"
Galería ILONA-KPintor y creador de lienzos a gran escala que reproducen invariablemente un mundo feliz, una utopía lujosa, un sueño o una ensoñación. De 1994 a 2014 colaboró con Alexander Vinogradov, cuyo dúo artístico fue uno de los fenómenos más llamativos del arte postsoviético, reflejando los estados de ánimo y los gustos de tres décadas: los “salvajes” años 90, los “gordos” años 2000 y los años 2010, marcados por la crisis.
Exposición "Cuentos del abuelo" de Vladímir Dubossarski. Destilaciones de la serie "Mundo animal"
Serguéi Kiselev/Agencia MoskvaSu obra en solitario sigue haciendo un retrato de nuestro tiempo, incluyendo una exploración de las redes sociales y un replanteamiento del pasado soviético.
Elena Elágina e Ígor Makarevich. Tsiolkovski. De la serie "Retratos de cosmistas rusos", 2009
Fundación de Arte StellaEsta pareja de conceptualistas formó un dúo en 1990. Su arte se basa en la investigación pseudocientífica y la mistificación, en la que se entremezclan hechos y personajes reales e inventados.
Elena Elágina e Ígor Makarevich. Fórmula Buratino. De la serie Life in the Snow, 1993-2003
Fundación de Arte StellaA menudo, los proyectos hacen referencia al arte de vanguardia y a sus ideas utópicas. Los propios artistas designan su método creativo como una combinación de “misticismo extremo y materialidad extrema”.
Semión Faibisovich. MKAD (del ciclo Shuttle Bus), 1984
VladeyA finales de la década de 1970, Faibisovich era una figura destacada en la pléyade de artistas no oficiales de Moscú. Y con el inicio de la perestroika, su pintura fotorrealista atrajo la atención de las galerías occidentales, lo que se tradujo en numerosas exposiciones en Estados Unidos y Europa.
Semión Faibisovich. Novias del ciclo "En los bancos", 1989
VladeySus imágenes de la realidad soviética fueron sustituidas poco a poco por temas postsoviéticos, y la pintura pura dio paso a los experimentos con la óptica fotográfica y la fotografía móvil. “Un artista debe vivir en su propio tiempo, ése es su principal valor y recurso”, opina Faibisovich.
Egor Fedórichev. Y que sople el viento del norte, hacemos nuestro inevitable just do it
JART GalleryEste artista suele emplear como lienzo materiales industriales usados, como lonas o telas de estandarte. En consonancia con el deliberado descuido en la ejecución (pintando sobre trozos de tela cosidos toscamente; dejando los lienzos terminados sin bastidor, colgados libremente de la pared o del techo), los “temas” de sus obras (imágenes figurativas pintadas con trazos gruesos) se mezclan con un fondo abstracto chillón.
Egor Fedórichev. Sobre el amor no correspondido por la patria №2, 2018.
VladeyLos cuadros de Fedorichev recuerdan a un antiguo pergamino en el que se reflejan las turbulencias de nuestro tiempo.
Ilyá Fedotov-Fiódorov. Tótem captador de salud, 2019
fedotovfedorov.com“Para mí, la naturaleza es parte integrante del tema del encuentro con uno mismo”, dice el artista, que llegó al arte desde la bioingeniería. De hecho, el mundo interior personal, el medio ambiente y la tecnología han sido el foco principal de su obra durante los últimos siete años aproximadamente.
La naturaleza es también el principal proveedor de materiales para sus obras, ejecutadas de diversas formas, desde la fotografía y el vídeo hasta los ensamblajes y las instalaciones.
Artiom Filatov. Exposición "De vuelta a casa" en el Museo Intelligentsia de Nizhni Nóvgorod
Artiom FilatovEste artista y activista de Nizhni Nóvgorod trabaja con el contexto local y la identidad urbana. Comenzó con el arte callejero, pintando las paredes de las casas de madera abandonadas para llamar la atención sobre los edificios comunes que conforman el tejido vivo de la ciudad antigua. Gracias a sus esfuerzos, algunos de ellos fueron restaurados posteriormente.
Ha ganado dos veces el Premio a la Innovación, un galardón de arte ruso: en 2017 por su exposición en las salas vacías del antiguo Museo de la Inteligencia de Nizhni Nóvgorod (junto con un grupo de artistas creó una instalación integral en torno a los mitos urbanos de la ciudad), y en 2020 por su proyecto de instalación sonora con Alexéi Corsi en el crematorio de su ciudad natal.
Sus instalaciones sonoras se ensamblan con una gran variedad de materiales y mecanismos, pero el énfasis está en la percepción sensorial. El artista invita al espectador a sumergirse en el entorno sonoro que ha creado, lo que hace que conocer su obra sea similar a la meditación.
Durante sus experimentos, Filatov inventó un método alternativo de producción de sonido, así como un nuevo instrumento musical: el electrolito. Sus cuerdas no se mueven con la mano o el arco, sino con un imán cuyo movimiento está preprogramado. Una versión simplificada, el instrumento de dos cuerdas Duofluctus, es utilizada por músicos de todo el mundo; Filatov lo presentó en el programa principal de la 58ª Bienal de Venecia de 2019 como parte de una instalación del artista francés Tarek Ataui.
Andréi Filippov. Cristo ha resucitado, 201
Fundación de Arte StellaGraduado en la Escuela de Teatro de Arte de Moscú y representante de la escuela conceptual, Filippov piensa en el espacio, y cada una de sus exposiciones se convierte en una instalación, independientemente de la técnica empleada. A menudo invoca la conciencia imperial mediante el uso de águilas bicéfalas o símbolos religiosos, que también forman parte de su pensamiento imperial.
Andréi Filippov. La última cena, 2016
Museo de Arte Contemporáneo ErartaPor ejemplo, su instalación La última cena presentaba un mantel rojo con martillos y hoces que servían de cubiertos.
Ian Ginsburg El escarabajo mecánico
kandinsky-prizeEste artista continúa la tradición del Conceptualismo moscovita, explorando el tema de la memoria y la creación de mitos personales. Su apellido es un seudónimo tomado de Joseph Ginzburg, un artista outsider de los años 60 con un trágico destino.
Ian Ginsburg El escarabajo mecánico
kandinsky-prizeEl joven Ian Támkovich (su verdadero nombre) conoció a este último poco antes de su muerte. Soñaba con hacer una exposición de su obra y acabó heredando su archivo y su apellido. Este conocimiento dio lugar a una serie de instalaciones y exposiciones dedicadas al arte soviético de los años 60 y 70 y a sus principales protagonistas.
Aslán Goisum. Sin título (Guerra).
kandinsky-prizePara Aslán Goisum, nacido en Grozni en 1991, las guerras chechenas no son acontecimientos históricos, sino experiencias personales. Los terribles sucesos de su infancia, entremezclados con la historia local y otros relatos de testigos presenciales, Goisum los presenta a través de sus instalaciones, readymades y vídeos en forma documental o metafórica, como en los libros mutilados de su serie Sin título (Guerra).
Aslán Goisum. Sin título (Guerra).
kandinsky-prizeCon ella Goisum, hoy reconocido en la escena artística europea, debutó en Moscú allá por 2011.
Iván Gorshkov en la Trienal Garaje de Arte Ruso Contemporáneo, Una noche hermosa para todo el pueblo
Ivan Erofeev, Yuri Palmin/Museo Garage de Arte ContemporáneoEste artista de Voronezh tiene una gran variedad de materiales y técnicas a su alcance, pasando libremente de la pintura a la escultura, de la animación al arte público. Llama a su estilo “expresionismo semiabstracto”, dando a entender que se basa en gran medida en las formas modernistas del siglo XX. El autor concede gran importancia a la materialidad de sus obras.
Pabellón Gazebo de Iván Gorshkov en el parque de arte Nikola-Lenivets
Vladímir Astapkovich/SputnikSus obras más características son esculturas brutalistas, a veces grotescas, de metal soldado. En los últimos años se ha convertido en una figura cada vez más destacada en la escena artística internacional.
Yevgueni comenzó su carrera en la década de 2000 como fotógrafo, pero enseguida se sintió atraído por el videoarte y la dirección cinematográfica. En el futuro, los cortometrajes serían la base de su estilo. En sus propias palabras, Granílshchikov “recrea la vida cotidiana en la década de 1910”. Dicho esto, no se limita a las formas de la pantalla y siente predilección por las instalaciones multimedia. Ha sido galardonado con el Premio Kandinski al Mejor Artista Joven (2013) y participa regularmente en exposiciones internacionales y festivales de cine de autor.
Dmitri Gutov. El corredor de las dos banalidades
Fundación de Arte StellaEste artista intelectual y marxista acérrimo es admirador de las ideas del filósofo marxista Mijaíl Lifshitz. En homenaje a su ídolo, Gutov intenta restaurar el verdadero significado de la estética marxista, situándola en la agenda internacional, donde el discurso de izquierdas está más solicitado que nunca.
"Rembrandt - una perspectiva diferente. Obras de Rembrandt van Rijn y Dmitri Gutov".
Vladímir Vyatkin/SputnikSu arte ilustra en gran medida las ideas de Marx interpretadas por Lifshitz. Del mismo modo, aunque critica el modernismo desde un punto de vista marxista, Gutov se siente muy a gusto en territorio posmodernista.
Francisco Infante-Arana. Objetos de la serie "Procesiones", 1978
Francisco Infante-AranaEl arte de Infante-Arana cobró impulso en la década de 1960, una época de exploración espacial y una nueva fase de la revolución científica y tecnológica. El artista fue uno de los creadores del arte cinético en la URSS. Pronto fundó su propio grupo, Argo, una de cuyas direcciones era la planificación de la “arquitectura espacial”.
Francisco Infante-Arana. Artefactos de la serie "Continúa", 1992
Francisco Infante-AranaDesde finales de la década de 1960, Infante-Arana ha preferido trabajar en tándem con su esposa Nona Goriúnova. Además de sus obras cinéticas, es famoso por sus “artefactos”, objetos ópticos incrustados en el entorno natural. Esta realidad transformada es captada en fotografía.
Ilyá y Emilia Kabakov. Están pintando el barco, 2015
HermitageEl matrimonio formado por Ilyá y Emilia Kabakov lleva colaborando creativamente desde principios de la década de 1990. Sin embargo, la historia de Ilyá se remonta a mucho antes, a la década de 1970, cuando su estudio se convirtió en un laboratorio del Conceptualismo moscovita.
Ilyá y Emilia Kabakov. Exposición 'No todos serán llevados al futuro', 2018.
Andréi Nikerichev/Agencia MoskvaA pesar de vivir en Estados Unidos desde hace 30 años, Kabakov sigue ostentando el título de “artista ruso número uno”. Y con razón: al fin y al cabo, fue él quien transmitió vívidamente la atmósfera del mundo comunal de la era soviética y, lo que es más significativo, encontró un lenguaje visual inteligible para el público internacional. El arte también está en deuda con Kabakov por haber inventado el género de la “instalación total”.
Kanis crea vídeos e instalaciones que examinan los mecanismos ocultos de las transformaciones sociales, las relaciones laborales y su impacto emocional y psicológico en los seres humanos en la época del Antropoceno.
Los vídeos escenificados de Kanis, con actores profesionales y aficionados, exploran la brecha entre el mundo real y la construcción social, revelando la fragilidad de la existencia. Ha recibido prestigiosos premios artísticos rusos.
Aliona Kirtsova. Paisaje nº 6. De la serie "Color Guide". 2006
Fundación de Arte StellaSu carrera comenzó en la época soviética con exposiciones clandestinas de arte no oficial. Sin embargo, la obra de Kirtsova nunca tuvo connotaciones políticas o sociales. A principios de la década de 1980 apareció su técnica característica, en la que las observaciones de la vida y la experiencia sensorial asoman tras la abstracción geométrica.
Aliona Kirtsova. Paisaje #4 N. De la serie "Norte". 2010
Fundación de Arte StellaQuizá su principal lienzo sea la naturaleza lacónica del norte ruso. Además de la pintura, Kirtsova trabaja en los campos de la gráfica, la fotografía, las instalaciones y el land art.
Komar & Melamid. Amistad de las naciones # 107, 1974
Komar & MelamidVitali Komar y Alexander Melamid son los padres fundadores del movimiento artístico soviético más irónico: ‘Sots Art’. Tras trabajar codo con codo durante muchos años, los artistas se dieron a conocer con un apellido de doble barba. El Sots Art era el primo soviético del Pop Art. Mientras el Pop Art imitaba la publicidad, criticando la cultura de consumo, el ‘Sots Art’ se fusionaba con la estética del cartel soviético como publicidad ideológica.
Komar & Melamid. Chica frente al espejo , 1981-1982
Komar & MelamidA finales de la década de 1970, emigraron y continuaron su colaboración en EE.UU. Tras romper con Melamid, Komar se decantó por la abstracción geométrica, un género serio y monumental, que le permitió manifestarse como un pintor de la realidad, no de la mentira.
Irina Kórina. Columnas de descanso
kandinsky-prizeEscenógrafa de formación, Kórina lleva más de veinte años trabajando en teatro y cine, donde emplea la “óptica teatral” en su práctica artística. Sus objetos artísticos e instalaciones son fáciles de imaginar como parte de una representación ficticia en la que participa el espectador. Utiliza materiales inusuales: tela, policarbonato, plástico, azulejos y papel.
Instalación "Grove" de Irina Kórina en la exposición Futurologia del Museo de Arte Contemporáneo Garage.
Valery Sharifulin/TASSLo cotidiano y lo fantástico, lo kitsch y el esteticismo chocan en sus obras, que parece crear a partir de todo lo que ve a su alrededor, reensamblando el ADN de la realidad rusa, y haciéndolo con encanto y cariño. Ha participado dos veces en la Bienal de Venecia: en el pabellón ruso (2009) y en la exposición central (2017).
Taisia Korotkova. Proyecto "Rusia cerrada"
kandinsky-prizeKorotkova combina el interés por la ciencia con una pintura conscientemente tradicional, casi arcaica. Esta mezcla suscita en el espectador ciertas dudas sobre la naturaleza beneficiosa del progreso, y esto forma parte de la tarea de la artista. No condena, sino que plantea preguntas.
Taisia Korotkova. Proyecto "Rusia cerrada"
kandinsky-prizeSus series de larga duración se están convirtiendo poco a poco en un único superproyecto. En 2010, Taisia recibió el Premio Kandinski a la mejor artista joven. Vive en Italia, pero está activamente presente en la escena artística moscovita.
Egor Koshelev. Adivinanzas de la "Serie de los pájaros", 2020
VladeyNo todos los pintores profesionales se dedican al arte callejero, pero eso es lo que le ocurrió al moscovita Egor Koshelev. Más tarde conservó esa propensión a combinar lo alto y lo bajo, lo popular y lo elitista. Sus cuadros están llenos de mezclas y paradojas; la crítica social no es infrecuente en sus obras, pero nunca está exenta de un contexto filosófico que roza lo absurdo.
Egor Koshelev. Gran corte, 2018
VladeyA veces el autor margina intencionadamente las tradiciones de la pintura académica, esforzándose por lograr la máxima resonancia de su declaración.
Valeri Koshliakov. Untitled, 2000
VladeyLa pintura de gran formato del “principal romántico del arte ruso” se asemeja a frescos desgastados por el tiempo. Crea grandes arquitecturas (o el recuerdo de ellas) utilizando materiales intencionadamente “pobres”: cartón, papel kraft, papel normal, uniendo las hojas con cinta de montaje, diluyendo el acrílico o el temple hasta el estado de manchas en la superficie.
Valeri Koshliakov. URSS, 2006
VladeyLa fragilidad y la inestabilidad de los materiales se hacen eco de estas mismas propiedades de los grandes imperios vistos históricamente, ya sea el mundo grecorromano, la Edad Media con sus catedrales góticas, o la Unión Soviética con sus rascacielos estalinistas.
Alexander Kosolapov. Malevich, 1993
VladeyUno de los principales representantes del ‘Sots Art’, Kosolapov emigró a Estados Unidos a mediados de la década de 1970. El artista hace un uso activo del lenguaje publicitario, de modo que sus obras a veces parecen memes en línea, a pesar de haber sido realizadas mucho antes de que Internet se generalizara. El principal interés de Kosolapov es la crítica de las ideologías, a menudo en forma de sátira, que puede causar indignación.
Alexander Kosolapov. Coca-Cola, 1983
VladeyEl ejemplo más sonado fue el cuadro Lenin-Coca-Cola, que acabó con la poderosa corporación demandando al artista por uso ilegal de su logotipo y propaganda del comunismo.
Olga Kroitor. Performance de Fulcrum
Valeri Ledenev (CC BY-SA 2.0)Aunque Kroitor no hubiera hecho nada más aparte de Fulcrum, una performance en la que permaneció inmóvil durante horas sobre un alto pilar de madera, el arte moderno la recordaría para siempre. El espectador puede buscar alusiones culturales en sus obras o no, la elección es suya. Pero lo que nadie puede dejar de percibir es el intento de visualizar y trascender la experiencia humana universal.
Olga Kroitor. Performance Sin título (tumba abierta)
Serguéi Karpov / TASS“Cuando los puntos de dolor se estiran hasta el absoluto, la problemática acaba por remitir”, afirma esta destacada exponente del arte de la performance en Rusia.
Oleg Kulik. Video performance "Perro rabioso"
Legion MediaLeyenda del movimiento accionista moscovita, Kulik se hizo famoso por sus impactantes actuaciones de “perro rabioso”: desnudo y atado con una correa, ladraba y se lanzaba sobre los transeúntes y los visitantes de las galerías. Realizó su primera acción de este tipo en 1994 en el centro de Moscú, y en los cuatro años siguientes el “hombre-perro” recorrió Zúrich, Viena, Berlín, París, Nueva York y otras ciudades.
Instalación "Tennis Player", de Oleg Kulik, expuesta en la muestra "La década de 2000: Obras seleccionadas de la Colección de Yekaterina y Vladímir Semenijin. 2000-2005."
Ekaterina Chesnokova / SputnikEn la década de 2000 trabajó con instalaciones: la más famosa es Tennis Player, que representa a una Anna Kurnikova de cera saltando en pleno golpe, con puntadas taxidérmicas: la obra explora la transformación de la naturaleza viva y la cultura en un museo zoológico artificial, donde los animales disecados están muertos y son inofensivos. Hoy experimenta con el collage fotográfico y la pintura.
Alexander Kutovói. Lenin - Hill, 2015
VladeySus esculturas hacen uso tanto de materiales tradicionales (arcilla, bronce, cerámica, mármol) como de tecnologías modernas (plástico, impresión 3D). Aborda la agenda mediática contemporánea, replanteándola con una gran dosis de ironía y crítica, y explora el sistema en el que vive y las formas de lograr su transformación.
Alexander Kutovói. Untitiled, 2021
Galería Lazy MikeAsí, el deseo común de un cuerpo ideal y la pasión por la vida sana dieron lugar al proyecto a gran escala Bulky Biceps Trying To Fly, que convierte esculturas antiguas clásicas en equipamiento deportivo. En otros proyectos, Kutovói estudia el libre albedrío humano en condiciones rígidamente programadas: figuras antropomórficas de arcilla no totalmente endurecida adquieren una nueva identidad allí mismo, en la exposición, como resultado de cualquier interacción con ellas.
Obras de Andréi Kuzkin en la Trienal Garage de Arte Contemporáneo Ruso, Una noche hermosa para todo el pueblo, 2020
Iván Erofeev, Yuri Palmin/Museo Garage de Arte ContemporáneoKuzkin irrumpió en la escena artística en 2008 con su performance In a Circle: durante una hora, el artista, atado a una estaca, caminó en círculo en una piscina llena de hormigón líquido. A partir de entonces, se le consideró uno de los artistas jóvenes más prometedores, y todas sus actuaciones y exposiciones posteriores, incluida la Bienal de Venecia, no hicieron sino consolidar esta opinión.
Obra de Andréi Kuzkin en la Trienal Garage de Arte Contemporáneo Ruso, Una noche hermosa para todo el pueblo, 2020.
Iván Erofeev, Yuri Palmin/Museo Garage de Arte ContemporáneoNo menos famosas son sus esculturas hechas de pan: el material ideal para temas existenciales. En el cristianismo, el pan simboliza el sacrificio y el cuerpo de Cristo; además, en Rusia es símbolo de saciedad y un material tradicional con el que los presos esculpen figuras.
Gueorgui Litichevski. Exposición individual "Inteligencia de las flores". Vista de la instalación en la galería Iragui, 2020
Galería IraguiLitichevski, que en su día fue un historiador serio, dedicaba su tiempo libre a dibujar cómics. Y esta pasión se impuso a su faceta académica. Se unió a las filas de los artistas que promovían la nueva estética de los años 90.
Gueorgui Litichevski. Clave de sol, 2013
Galería IraguiLa fama le llegó durante la perestroika como miembro de la okupación artística Detski Sad (Jardín de infancia) de Moscú, que para él consistía en crear su propia versión de la tendencia de la Nueva Ola. Tras cambiar su forma de ser, añadió a su currículum tanto el arte de la performance como las instalaciones multimedia, aunque el cómic sigue siendo la seña de identidad de su “estilo corporativo”.
Artiom Loskutov. Mercancías prohibidas sobre fondo rojo "Que los que tengan mal las pinturas viejas, pinten las nuevas", 2017
VladeyLa fama le llegó a Loskutov cuando aún era estudiante en la Universidad de Novosibirsk. En su ciudad natal, el artista inició las ya anuales procesiones callejeras Monstration: columnas de jóvenes con atuendos estrafalarios desfilan por la ciudad desplegando lemas y carteles dadaístas para celebrar lo absurdo.
Artiom Loskutov. América, 2020
Artiom LoskutovMás tarde se trasladó a Moscú, donde emprendió proyectos en solitario en la intersección del accionismo, el arte público y el activismo político.
Borís Matrosov. Vidrio y limón, 1989
VladeyEl grupo artístico “Campeones del Mundo” fue un fenómeno icónico en Rusia durante los años de la perestroika. Fue formando parte de este equipo como comenzó la carrera de Matrosov. Posteriormente, trabajó en solitario, combinando los motivos del arte pop, el conceptualismo y el minimalismo.
Borís Matrosov. Esto no es China, 2002
VladeyUno de sus temas principales es la “normalización”, una tipificación simplificada de la pintura. Participa activamente en el arte público, habiendo creado, entre otros, el famoso eslogan del monumento “La felicidad está a la vuelta de la esquina” en Perm.
Majacheva nació en Moscú, estudió en Londres en el Goldsmiths College y el Royal College of Art, y ahora expone en todo el mundo, desde la Tate Gallery de Londres y el Centro Pompidou de París hasta las bienales de Moscú, Venecia y Lyon. A través de sus obras de vídeo y performances, investiga el tema de la identidad nacional y la cultura tradicional del Cáucaso en el mundo moderno.
Super Taus. Untitiled 2
Taus Majacheva/kandinsky-prizeEn muchas obras, Majacheva aparece como su alter ego, “Super Taus”, una sencilla mujer daguestaní con traje tradicional y pañuelo en la cabeza, que posee una fuerza increíble. Por ejemplo, durante una actuación en el Centro Pompidou, Taus recorrió las salas con un monumento a dos asistentes femeninas del Museo de Daguestán, que en los años 90 rescataron un cuadro de Rodchenko arrebatándoselo de las manos a un ladrón.
Vitali Komar, Alexander Melamid. Naturaleza muerta con Marx y Engels. 1981-82
Fundación de Arte StellaUno de los fundadores de ‘Sots Art’, junto con Vitali Komar. Durante sus 30 años de colaboración, este tándem se convirtió en un solo autor. La importancia de Komar y Melamid radica no sólo en su ridiculización y ostracismo de la ideología soviética, sino también en la proximidad de su arte al lenguaje del posmodernismo internacional.
Vitali Komar, Alexander Melamid. Semilla de la cruz de la instalación "Labor" (Fundición de bronce de Bayona, EE.UU.), 1989.
VladeyDespués de que el dúo se separara, Melamid se dedicó al retrato, incluyendo en su obra muchos lienzos de raperos estadounidenses.
MishMash. OGLANAZ
kandinsky-prizeMijaíl Leikin y María Sumnina, matrimonio, forman un dúo artístico desde 1999. Su trayectoria incluye un periodo estadounidense (2001-2007, Nueva York), pero desde hace 15 años viven en Moscú.
MishMash. OGLANAZ
kandinsky-prizeSu estilo puede calificarse de internacional, aunque hereda parcialmente el espíritu del Conceptualismo moscovita (uno de cuyos fundadores fue Andréi Monastirski, padre de Sumnina). Un rasgo característico del dúo es la creación de paradojas visuales y semánticas en la encrucijada del diseño, la escultura y la literatura.
Andréi Monastirski. Música de concentración. De la instalación Earthworks, 2005
Fundación de Arte StellaAndréi Monastirski, también uno de los primeros conceptualistas soviéticos, es en muchos aspectos lo opuesto a Ilyá Kabakov. Si este último revela la esencia del mito soviético en forma visual de pinturas e instalaciones, las obras de Monastirski son casi efímeras.
Andréi Monastirski. Untitled. De la serie Golden Lines. 1997, 2004
Fundación de Arte StellaLlegó al arte desde la poesía, y para él el texto es más importante que la representación. Sus obras son minimalistas y están hechas con materiales “pobres”: papel, cuerda, ramitas, cinta adhesiva.
Artista mediático y músico que trabaja bajo un seudónimo, crea instalaciones tecnológicas, cinéticas y sonoras que a menudo interactúan con los objetos o fenómenos más inverosímiles.
Por ejemplo, un pequeño órgano manual funciona con la respiración de una máscara de gas, o truenos, transmitidos en línea en tiempo real, resuenan en diferentes partes del planeta y encienden bombillas en una enorme esfera que representa el globo. Las espectaculares instalaciones del artista han ganado aplausos en muchas ciudades del mundo, desde Singapur hasta Venecia y París.
Untitiled, 1985
Ígor Mujin/MAMM/MDFUn icono de la fotografía rusa y el principal cronista de la Rusia de los años 80 y 90. Sus imágenes capturan a los protagonistas de ese cambio de época, conservando la atmósfera de la época. También fue el principal fotógrafo del rock ruso a lo largo de su existencia clandestina, fotografiando en película a casi todos sus músicos de culto y multitudes en los conciertos.
Viktor Tsoi
Ígor Mujin/MAMM/MDFAlgunos de sus libros están dedicados a la fotografía callejera y la dinámica vida de la gran ciudad, abarcando varias décadas. Están imbuidos de la desesperación y la esperanza de los mítines, así como de interminables obras de construcción y comercio ilegal, pero también rebosan de vitalidad y poesía de las relaciones humanas y las parejas que se besan.
Muromtseva Ekaterina, de la serie "Más que nosotros", 2017. Del Museo M HKA
muromtseva.artEste artista y filósofa es activa en el campo sociopolítico. Hace arte con residentes de hogares de ancianos, hizo una película basada en los ensayos de escolares sobre la vida en la URSS, pintó enormes acuarelas donde las personas pierden rostro, convirtiéndose en un cuerpo colectivo bajo la mirada del Gran Hermano.
Ekaterina Muromtseva. "Vacaciones", pintura mural en la residencia de ancianos, 2015.
muromtseva.artEste “cuerpo colectivo” cuestiona simultáneamente el lugar de las personas en la historia rusa moderna y plantea el problema de la memoria de esta misma historia.
Maiana Nasibullova. Lenin-roly-poly del proyecto "Lenin para el alma", 2016.
VladeyEsta artista y escultora de Siberia se hizo famosa después de participar en la Trienal de Arte Contemporáneo Ruso en el Museo Garaje de Moscú en 2017. Los críticos destacaron su proyecto sobre la memoria, titulado Ámbar real, una serie de objetos domésticos fundidos en resina.
Maiana Nasibullova. Malos pensamientos de la serie "Viva la violencia", 2020.
VladeyProyectos posteriores (la serie irónica Lenin para el alma, La patria escucha y otros) también se dedicaron a la memoria y la comprensión de la sociedad. En sus instalaciones, Maiana combina formas escultóricas con obras sonoras y pictóricas, que ejecuta tan bien como objetos espaciales.
Irina Najova. Habitación nº 1, 1983
Irina NajovaHabiendo ingresado al círculo conceptualista en la década de 1970 a una edad muy temprana, Najova rápidamente alcanzó un estatus destacado. Fue una de las primeras artistas rusas en trabajar en el género de la instalación total: su serie de instalaciones Habitaciones en su propio apartamento pasó a la historia.
Irina Najova. Del proyecto Triunfo Parcial I, 1989
Fundación de Arte StellaDesde entonces, su arte siempre ha estado imbuido de historia personal, y la arquitectura ha formado un componente importante de su práctica. Representó a Rusia en la Bienal de Venecia en 2015.
Borís Orlov. Busto imperial (Marinero), 1975
Fundación de Arte StellaOrlov representa el movimiento ‘Sots Art’ en escultura. El artista se hizo famoso por sus bustos, en los que retratos escultóricos antiguos adquieren rasgos modernos a través de la heráldica soviética.
Borís Orlov. Busto de la Emperatriz, 1988
Fundación de Arte StellaLos temas principales de Orlov son el poder, el pensamiento imperial y sus orígenes. Al hacerlo, el artista explora el “gran estilo imperial”, encontrando paralelos en la estética y la ideología de diferentes imperios: desde la antigüedad hasta la Unión Soviética. Después del colapso de la URSS, Orlov volvió al tema del “fin de la historia”, reconstruyendo el mito de una civilización desaparecida.
Anatoli Osmolovski. Viaje al país de Brobdingnag (Maiakovski/Osmolovski). 1993/2002. Documentación de la representación. Foto: Ígor Mujin
Fundación de Arte StellaArtista y teórico del arte, cofundador del movimiento “Expropiación del Territorio del Arte”, Osmolovski en la década de los 90 fue un activo representante del Accionismo de Moscú. Él y sus camaradas de pintura formaron la palabrota rusa jui con sus cuerpos en la Plaza Roja (“un desafío al estado de cosas en la economía y la política soviéticas”), construyeron una barricada de cajas en el centro de Moscú y fumaron un cigarro en el hombro del monumento al poeta Vladímir Maiakovski.
Anatoli Osmolovski. Fruto dorado de Nathalie Sarraute, 2006
Fundación de Arte StellaLlegado el siglo XXI, su enfoque cambió a la creación de objetos de arte y esculturas, y desde 2011 ha estado ocupado con el Instituto Baza de Arte Contemporáneo, que fundó para artistas y críticos de arte.
Gosha Ostretsov. Conocedores de la belleza, 2014
VladeyOstretsov comenzó como diseñador de modas, adhiriéndose a la estética de la vanguardia rusa. Viviendo en París, trabajó como asistente de los diseñadores Jean-Charles de Castelbajac y Jean-Paul Gaultier. Allí persiguió su propia creatividad artística. Ostretsov crea una serie de pinturas y esculturas basadas en la estética de los cómics.
Gosha Ostretsov. El policía mentiroso, 2013
VladeySus obras se dedican a modelos de sociedad alternativos, en esencia antiutópicos, cuyos personajes y estructuras se liberan del marco establecido, creando una nueva mitología. Su arte estuvo expuesto en el pabellón ruso de la 53ª Bienal de Venecia.
Pavel Otdelnov. «56.2354828/43.5809789», 2016
Pavel Otdelnov (CC BY-SA 4.0)Un pintor sutil conocido por sus proyectos temáticos que exploran los puntos de dolor imperceptibles de la realidad circundante en el presente y el pasado reciente. Una de sus series clave es Zona industrial, basada en la historia de la propia familia del artista, tres generaciones de las cuales trabajaron en una planta química en la ciudad de Dzerzhinsk y vivieron la industrialización de la década de 1930, la producción de armas químicas durante la Segunda Guerra Mundial y el declive de la producción a gran escala en la década de 1990.
Pavel Otdelnov. Stonehenge, 2013
Pavel Otdelnov (CC BY-SA 4.0)Pasando de lo particular a lo general, cambiando la óptica, el artista cuenta las trágicas historias tanto de individuos específicos como de la propia Rusia.
Timoféi Parschikov. Noticias Ardientes, 2009
VladeyParshchikov, el autor de varias series de fotos tomadas tanto en Rusia como en el extranjero, se esfuerza por lograr una imagen espectacular y cinematográfica. Por ejemplo, su reconocida serie Suspenso está unida por el tema de la inquietante incertidumbre, de la que, en teoría, carece el ambiente de las grandes ciudades. Las perspectivas y el entorno se encuentran en la propia vida de la ciudad, generalmente asomándose por la noche.
Timoféi Parschikov. Nápoles, 2008. 2006-2014 Galería Marina Gisich
Galería Marina GisichLa serie teatral Noticias Ardientes aborda la naturaleza agresiva de las noticias: los periódicos en llamas queman las manos de los lectores que los sostienen. Para Parshchikov, cualquier fotografía busca resaltar eventos de interés periodístico no obvios que se pasan por alto en el flujo de la vida. Sus exposiciones individuales se han realizado en Rusia, Francia, Alemania, Italia y otros lugares.
Pavel Pepperstein. Cuadrado negro y Campbell, 2008
Galería OVCHARENKOPepperstein tiene demanda no solo como artista, sino también como escritor. En muchos sentidos, estas dos áreas se superponen: la literatura de Pepperstein es visual y su obra gráfica es literaria. Y ambos están unidos por motivos absurdos y psicodélicos. Heredó el gusto por el absurdo del movimiento OBERIU (un colectivo de vanguardia de escritores, músicos y artistas rusos futuristas de las décadas de 1920 y 1930).
Pavel Pepperstein. ¡Oh Dios! ¡Han vuelto a enviar a un hombre con resaca! 2009
Galería OVCHARENKODicho esto, sus fantasías literarias y artísticas no son abstractas, ya que su arte no es trivial y es sociopolítico, reflexionando, entre otras cosas, sobre el destino de Rusia, su pasado y su futuro.
Tania Pioniker. Este es mi estilo y no está prohibido aquí, 2017
VladeyEsta joven artista utiliza técnicas gráficas tradicionales (acuarela, tinta, aguafuerte) para crear sus propios mundos en la frontera de la ficción y la realidad, poblándolos de personajes ficticios. La sutil artesanía y el aspecto son un guiño a las famosas obras de el Bosco.
Tania Pioniker. St.We, 2010
VladeySu Siete (con su interpretación moderna de los pecados capitales), Uróboros y otras series se asemejan a bestiarios medievales, pero basados en experiencias personales. La óptica revela capas atemporales globales en sujetos contemporáneos.
Víktor Pivovarov. Reflexiones, 1965-1966
Galería TretiakovEn las décadas de 1970 y 1980, Pivovarov pertenecía al círculo de los conceptualistas de Moscú. Destacado ilustrador de literatura infantil, en su “arte para adultos” prefiere el lenguaje gráfico. Sin embargo, a diferencia de Ilyá Kabakov, que exploró los fundamentos del mito colectivo soviético, Pivovarov se centró inicialmente en el mundo interior de la humanidad.
Víktor Pivovarov. Partido en Moscú, 1971
Galería TretiakovSus obras son más sensuales, emocionales e íntimas, pobladas de personajes que intentan moldear este mundo sin comodidades en su propio espacio surrealista personal.
Nacida en 1986, la artista basa sus videos escénicos en los movimientos de los intérpretes y elementos de la danza moderna, encontrando una forma plástica y poética para reflexionar sobre temas de la vida cotidiana y sobre los “temas eternos” del arte como el amor y las estaciones.
Sus composiciones espectaculares, cuidadosamente coreografiadas, resaltan la energía de la interacción corporal entre los artistas. Las obras se asemejan a esculturas vivientes, energizando la pantalla a través de la danza y evocando en el espectador una sensación de fluidez impredecible, complejidad e incontrolabilidad del ser corporal. Su obra Jardín se exhibió en el pabellón ruso en la 57ª Bienal de Venecia.
Iván Pliusch. Episodio 1. De la serie Hasta que canten los gallos. 2011
Museo RusoEscultor de monumentos de formación, el artista gravita hacia obras a gran escala, solo que no utiliza materiales “eternos”, sino temporales, a veces efímeros. Es un maestro de las instalaciones espaciales, pero la pintura sigue siendo una parte central de su trabajo.
Exposición del Teatro de Pliusch en el Museo de Arte Moderno de Moscú (MMOMA)
MMOMAÚltimamente, Piusch ha ido evolucionando hacia métodos poscientíficos, creando obras con la ayuda de la inteligencia artificial. Es uno de los fundadores del estudio de arte de San Petersburgo “Unconquered”.
Alexander Ponomarev y su instalación "Ouroboros" en Egipto, 2021
Dina Pianyj/TASSBarcos, submarinos y el romance del extremo norte ruso son las principales asociaciones con su arte. Ponomarev se graduó en la década de 1970 de la escuela de arte y la Escuela Superior de Ingeniería Marina en Odessa, sirvió siete años en la marina soviética y desde entonces ha construido una carrera creativa sobre esta base.
Alexander Ponomarev. El hombre del viento, 2015
Museo Pushkin de Bellas ArtesDurante las últimas cuatro décadas, pintó un submarino de combate en colores brillantes, realizó actuaciones y eventos artísticos en el Ártico, Groenlandia y la Antártida, navegó por el Gran Canal de Venecia en un submarino improvisado y organizó la Bienal Antártica de Arte Contemporáneo, en en el que cientos de artistas, filósofos y científicos pasaron 12 días navegando por el hielo a bordo de un buque de investigación, celebrando debates y escenificando performances y lecturas de poesía/filosofía.
Nikolái Polisski. Muñecos de nieve, 2000
Parque de arte Nikola LenivetsFigura principal del “land art” ruso, creador e ideólogo del Parque de Arte Nikola-Lenivets en la región de Kaluga y del festival Archstoianie, que se celebra allí desde 2006. La primera intrusión de su arte en el paisaje rural se produjo en el forma de un ejército de 200 muñecos de nieve hechos por los residentes locales a orillas del río Ugrá, donde en el siglo XV se dice que hubo una batalla entre las tropas rusas y tártaras.
Posteriormente, Polisski se asoció con artesanos locales para crear un taller que se especializa, bajo su dirección, en el tejido de vides, tallado en madera y en la fabricación de objetos de arte a gran escala con otros materiales ecológicos, refiriéndose en sentido figurado a los arcos de triunfo clásicos, el Gran Hadrón. Colisionador, inteligencia artificial e incluso las tuberías exteriores del edificio del Centro Pompidou de París. Junto con sus maestros artesanos, crea varios objetos de arte en todo el mundo.
Alexander Povzner. Huellas, 2009
VladeyEste artista y escultor combina orgánicamente el interés por las técnicas tradicionales y las formas figurativas con las ideas del conceptualismo. La mayor parte de su trabajo se basa en la autorreflexión: un examen cuidadoso de las impresiones, las fantasías, el aprendizaje académico y la rutina de la infancia, todo multiplicado por el humor y la autoironía.
Alexander Povzner. Miss Mira, 2013
Vladey“Mis trabajos no son ilustrativos, pero mis experiencias, especialmente las que son incomprensibles para mí, aparecen en imágenes de una manera extraña. Como el psicoanálisis”, dice el artista.
Vitali Pushnitski. Tokio. Observación del vuelo de las polillas. 2019
Estudio Pushnitsky (BY-SA 4.0)“Un cuadro es un signo, una imagen, no necesita un texto ni un espectador, es un recuerdo que quizás nadie recuerda, un pensamiento que se precipita en el sedimento material”, cree este artista petersburgués. Trabaja con objetos, instalaciones, escultura y gráfica, pero destaca la pintura como la técnica más “honesta”.
Sus obras, independientemente de la temática, se caracterizan por un cierto desapego, contemplación y melancolía. Ya se trate de ruinas clásicas, el estudio de un artista o paisajes, están ejecutados con gran cuidado y, a menudo, hablan de la soledad y los estragos del tiempo.
Timoféi Radía. ¿Qué somos? ¿De dónde venimos? ¿Hacia dónde vamos? 2017
t-radya.comUno de los artistas callejeros más famosos de Rusia. Radía comenzó a mediados de la década de 2000 creando graffiti y objetos de arte en su Ekaterimburgo natal. Su ámbito geográfico se amplió más tarde para incluir Moscú, San Petersburgo, Berlín, Nueva York y otras ciudades.
Timoféi Radía. Charla ociosa, 2016
t-radya.comSus obras suelen estar hechas para un lugar en particular con un mensaje social o político. Sin embargo, con su formación en filosofía, no emplea eslóganes, sino un enfoque meditativo de los temas planteados.
El grupo de reciclaje. Nueva naturaleza, 2021
Irina Kolpachnikova/El grupo de reciclajeCubos de basura con siluetas humanas que sobresalen de las paredes, que recuerdan a antiguas estelas y lápidas; relieves de aspecto antiguo pero hechos de malla; alusiones a los portales de las catedrales medievales hechos de tubos corrugados; una “capa cultural” en la que los teléfonos celulares se incrustan permanentemente; una enorme “F” de Facebook hecha de poliuretano; realidad virtual.
El grupo de reciclaje. 'Сonversión', 2015
El grupo de reciclajeLo atemporal y lo vulgar, lo tradicional y la alta tecnología, conviven en el trabajo del dúo Andréi Blokhin y Gueorgui Kuznetsov, activo desde mediados de la década de 2000. Sus llamativos objetos de arte e instalaciones ya han llevado a los artistas al otro lado del mundo, desde Moscú a Londres y Nueva York.
Anna Rotaenko. La Red
MAMM/MDFEl arsenal de temas y medios (desde música electrónica y tecnologías de juegos hasta instalaciones) de esta joven artista de Grozni es extenso. “El feminismo, el entorno urbano y los materiales urbanos temporales, las relaciones dentro de las comunidades, la cultura de masas y la digitalización, la ingeniería crítica y más” son solo algunos de sus intereses.
Tono de llamada
rotaenkoann.comAlgunos de sus proyectos más llamativos son Tono de llamada (un “campanario” hecho de tubos y soportes en forma de cruz que emitían sonidos militarizados) y La Red (una jaula rosa hinchable gigante).
Romaán Sakin. Curaspatia, 2020
XL GallerySakin crea realidades alternativas muy parecidas a la nuestra, que parecen comentarla con un dejo de absurdo. Su Curaspatia (del latín: cura “cura”, spatio “espacio”) es un “sistema filosófico y terapéutico”, una especie de proyecto de vida saludable con pautas absurdas.
Román Sakin. De la serie "Esculturas controlables"
romansakin.comY luego estaban las minimalistas “Esculturas controlables”, que consisten en piezas móviles que el artista movía manualmente. Por ejemplo, la Torre de señales, que se encontraba en el patio de la Galería Tretiákov de Moscú, se consideró un “simulador de democracia” en el sentido de que los propios espectadores determinaban cómo aparecía el objeto.
Aidán Salájova. Sin palabras №1, 2014
VladeyHija del famoso artista soviético Tair Salajov, es una maestra del mármol (tiene su propio estudio en Carrara, Italia), así como de la pintura y la gráfica. La semántica de su obra se basa en imágenes de Oriente filtradas a través del prisma de la cultura europea, erotismo deliberado y sutil sensualidad.
Aidán Salájova. Hermafrodita, 1997
VladeyEn la década de 1990, Aidan abrió una de las primeras galerías comerciales de arte moderno en la Rusia postsoviética. La galería cerró oficialmente en 2012, después de lo cual la artista se centró en su propio trabajo.
Igor Samolet. Del proyecto "Me desperté ya cansado" (tríptico), 2020
VladeyEl tema principal de su trabajo es la comunicación moderna a través de teléfonos inteligentes y el impacto de lo digital en la vida cotidiana. La mayoría de sus obras utilizan capturas de pantalla de iPhone. Presentados en forma de enormes grabados, collages y esculturas, transforman lo privado en público, creando un sentido de participación en la vida de los demás y, por el contrario, en la propia vida a través de las tecnologías digitales.
Ígor Samolet. Casa para leña del proyecto "Herbarium", 2014.
VladeyAñadiendo objetos cotidianos a las capturas de pantalla, ordena el espacio de sus exposiciones a la manera de Disneyland, en el que el espectador se olvida de sus preocupaciones y disfruta del fabuloso escenario.
María Safronova. Outpost, 2017
VladeyLas técnicas preferidas de este artista parecen muy tradicionales: la pintura figurativa y la gráfica. Pero debajo de las escenas realistas, la mayoría de las veces arrebatadas de la vida cotidiana (escuela, hospital, oficina), se encuentra una exposición del absurdo y la crítica social.
María Safronova. Ascensor, 2017
VladeyEn ocasiones, su análisis del “biosistema humano” lleva a la artista a visiones que rayan en lo surrealista. Safronova a menudo incluye modelos 3D o elementos especialmente elegidos en sus exposiciones.
Exposición de la Escuela Norte-7 de Dibujo Activo y Posado Performativo, 2017.
Norte-7Sever-7 (Norte-7), surgido en San Petersburgo en 2013, es uno de los colectivos artísticos más enérgicos del panorama actual. El enfoque del grupo (que tiene una formación fluida, compuesta por nueve miembros permanentes más “amigos”) está en la interacción, el proceso, la performatividad y la lucha contra las normas establecidas en todos los frentes.
Lost & Found Expedición Norte-7, exposición en el M HKA. Amberes, Bélgica, 2019
M HKA MuseumOrganizaron la feria de arte contemporáneo independiente “Saint Dogvilleburg” con una “autoproclamada ciudad de artistas”, abrieron la Escuela de Dibujo Activo y Poses Performativas y han realizado numerosas exposiciones, incluso en el Museo M HKA de Amberes.
Ígor Shelkovski. Relieves, 2019
Galería Alina PinskyUn escultor del legendario grupo de los inconformistas: aquellos que trabajaron en contra del realismo socialista impuesto en la época soviética. Desarrollado a partir de principios de la década de 1970, su estilo escultórico busca reducir la imagen a un esquema, una fórmula, un signo.
Ígor Shelkovski. Hombre corriendo, 2019
Galería Alina PinskyLe interesan los paisajes y el espacio urbano, que deconstruye y a partir de los cuales crea sus propias formas: una nube como conjunto de bloques de madera en todos los tonos de azul, un árbol como estructura lineal encerrada en una jaula con siluetas urbanas. En 1976, Shelkovski emigró a Francia, donde en 1979-1986 publicó la revista A-Ya, que introdujo el arte clandestino soviético en Occidente.
Serguéi Shejovtsov. No. 1 De la serie "Motocicletas". 2002
Colección de Ekaterina y Vladi¡ímir SemenijinPintor de formación, Shejovtsov se graduó en el Instituto Académico de Artes Surikov de Moscú, pero pasó de la pintura pura a la creación de objetos escultóricos. Su elección de materiales (poliestireno, gomaespuma, cinta adhesiva, pintura en aerosol) jugó un papel importante en su cambio de oficio.
Serguéi Shejovtsov. Niño y palomas, 2004
Garaje Museo de Arte ContemporáneoSerguéi desarrolló sus propias técnicas plásticas, espectaculares y reconocibles al instante. En un momento, su nombre siempre se mencionó junto con el apodo de "goma espuma", pero luego entraron en juego otros materiales.
Serguéi Shutov Mar ( Autorretrato), 1983
VladeyCuando el concepto de “artista de los medios” aún era desconocido en la URSS, Shutov ya estaba experimentando con diferentes formatos de arte contemporáneo. Como miembro destacado de la escena underground, trabajó en la película de culto Assa (1987), que se convirtió en el manifiesto cinematográfico de la perestroika.
Serguéi Shutov. Sol, 2017
Gallery 21En 1992, Shutov creó la primera instalación multimedia en Rusia bajo el título Experiencias sensuales. Su obra posterior se caracterizó por la experimentación en las “tierras fronterizas” entre la pintura, la performance, el video y el arte sonoro, y otros medios.
Sveta Shuvaeva. De la serie "Personajes de la multitud", 2015.
VladeyShuvaeva es considerada parte de la llamada “ola de Samara”, habiendo vivido en la ciudad de 2003 a 2010, donde estudió diseño ambiental en el instituto de arquitectura y desempeñó un papel activo en la joven escena artística. Su especialización proporcionó el impulso para todos los proyectos futuros: gráficos, collages, instalaciones, diseño de moda.
Svetlana Shuvaeva con su instalación "Oferta especial Lakeview .. '
Smart ArtEn 2015, se convirtió en una de las estrellas de la 3.ª Bienal Industrial de Ekaterimburgo con su serie Crowd Character, un homenaje semiabstracto a Kazimir Malevich, con personas sin rostro en un espacio metafísico. Desde entonces, ha trabajado en múltiples proyectos en museos de Rusia y Europa.
Slava Ptrk. Gran colada de la serie "La soledad", 2016.
VladeyUno de los jóvenes artistas callejeros más destacados de Rusia, además de irónicos graffitis, explora temas sociopolíticos. Ya sean las guerras de Chechenia, tal como se conceptualiza en el proyecto conjunto 1999 con la banda indie SBPC, basado en los recuerdos de los participantes y testigos presenciales, o la apatía general en todo el país en la actuación Pójui, pliaschem (A la mierda, bailemos).
En este último, 50 parejas que bailan el vals en la nieve no quieren escuchar malas noticias, y cuando un dron les sobrevuela, queda claro que el título es una referencia a ellos.
Haim Sokol. Sin título (escaleras), 2009
Fundación de Arte Stella“Mi tarea y principal desafío es encontrar y mostrar las huellas del pasado en el presente, pero no por gratificación nostálgica, sino para que la huella perdida resuene con el presente”, dice el artista, investigador y poeta Haim Sokol. La historia (principalmente de su propia familia) y la experiencia traumática han sido temas principales en su trabajo desde su primera exposición Cryptomnesia en 2007.
Haim Sokol. Testimonio
Museo de Arte Moderno de MoscúDesde entonces, sus emblemáticas aves negras y figuras humanas han presentado una amplia gama de proyectos, incluidas exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno de Moscú y la Galería Tretyakov.
Alexandra Sujáreva. Inicios, 2021
V-A-CSujareva es creadora de numerosas instalaciones y objetos de arte en los que el tiempo y la naturaleza son efectivamente coautores. Hace uso de las propiedades químicas de los materiales como metáforas de sus pensamientos, experiencias y recuerdos, ya sea el crecimiento de cristales o la oxidación de las superficies de los espejos.
Alexándra Sújareva. Adiós, mirada, 2015
Garaje Museo de Arte ContemporáneoSujareva es una de las artistas rusas más solicitadas en Europa en la actualidad: desde 2012, su trabajo ha sido promovido por la Fundación VAC de Leonid Michelson y Teresa Mavica. Gracias a ellos, su obra se presentó en la prestigiosa exposición de arte contemporáneo dOCUMENTA (13) en Kassel, en el espacio de la fundación en Venecia, en la galería Tate Modern de Londres y en otros lugares.
Leonid Tishkov. Mira tu casa
Arsenal. Centro de Arte Contemporáneo (Nizhni Nóvgorod)Sus temas fantásticos existen en varias formas de arte, desde gráficos hasta instalaciones de video y libros de arte. Comenzó a fines de la década de 1970, cuando siendo estudiante de medicina se incursionó en el arte de la caricatura. Más tarde conoció a los conceptualistas de Moscú y cambió la medicina por la creatividad.
Leonid Tishkov. El camino que conduce a ti mismo, 2004
Fundación de Arte StellaSegún Tishkov, tiene una “mentalidad mitológica” que entrelaza el folclore de los Urales, los cuentos de viejas, la metafísica, la poesía surrealista francesa y el experimento lingüístico zaum (“más allá de la mente”) de Velimir Jlebnikov. De esta mezcla surge una mitología personal de la que se ramifican tramas inverosímiles.
Olga Tobreluts. "DÓLAR" de su serie "Nueva Mitología"
VladeyTobreluts cristalizó como artista a fines de la década de 1980, estudió arquitectura en Leningrado (ahora San Petersburgo) y gráficos por computadora en el Instituto ART+COM de Berlín, y fue miembro del legendario grupo New Academy bajo la guía intelectual de Timur Nóvikov. El neoacademismo, con su culto al cuerpo humano, los cánones clásicos de belleza y numerosas referencias a la historia del arte, se une en su trabajo con la tecnología informática moderna.
Olga Tobreluts. Apolo y Jacinto, 2005
VladeyLos paneles lenticulares, los videos y el arte pictórico se convierten en un medio para crear el propio metaverso, donde se cruzan los ídolos del pop moderno, los héroes antiguos, la publicidad y las marcas de moda.
Natalia Turnova. Maiakovski, 1990
VladeyLa fuente de su pintura es el fauvismo. Pero sólo la fuente, no el resultado. Turnova es un artista independiente, de pensamiento libre, que se deshace de los estereotipos. Su larga fascinación por el género del retrato la llevó a crear su propio estilo, donde el color y la forma actúan como características psicológicas y herramientas analíticas existenciales.
Natalia Turnova. De la serie "Love", 2002
VladeyDe su pintura ha derivado objetos de arte, esculturas e instalaciones. Para ella, la cuestión de “qué se hace” tiene menos interés que el “cómo”.
Iván Tuzov. Colección, 2013
VladeyEl “pixel art” es la tarjeta de presentación de este artista. En la era digital, la creación de imágenes pixeladas, ya sea dibujadas o como un mosaico, ni siquiera es un arte glitch, sino un alejamiento hacia lo universal.
Iván Tuzov. Sin título, 2019
ARTZIPDe esta manera, Tuzov convierte al líder del proletariado mundial o policías en personajes casi de dibujos animados, héroes de alguna épica chiflada. Pincel en mano, una vez más, los experimentos del artista con la abstracción están ganando popularidad.
Un videoartista que opera en la intersección del cine de autor y el videoarte. Sus películas exploran diferentes grupos sociales y comunidades. Por ejemplo, Krisis (2016) cubrió la disputa en Facebook sobre la demolición del monumento a Lenin en Kiev. Su película más exitosa hasta la fecha es Himnos de Moscovia (2018), un viaje sin trama y visualmente impecable a través de tres estilos arquitectónicos de Moscú: el imperio estalinista, el modernismo soviético y la arquitectura moderna.
La cámara invertida se desplaza lentamente a lo largo de los edificios icónicos, convirtiendo la ciudad libre de personas en un fantasma en el cielo azul claro. La película recogió premios en Oberhausen, Melbourne, Vancouver y otros festivales. El trabajo de Venkov se presentó en documenta 14, una exposición individual celebrada en 2020 en el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes (M HKA).
Alexander Vinogradov, Vladimir Dubosarski. El beso. 2003
Colección de Ekaterina y Vladímir SemenijinDe 1994 a 2014, Vinogradov trabajó en conjunto con Vladímir Dubosarski, cuyos proyectos conjuntos trajeron fama mundial y éxito comercial. Estilísticamente, su pintura mezclaba las técnicas del realismo social y el arte pop, mientras que los temas capturaban los cambios de humor de las décadas postsoviéticas, con todos los atributos de la transición al capitalismo.
Alexánder Vinogradov. Encrucijada de la serie PARADISO IDEALE, 2017
Alexánder VinogradovEn su trabajo en solitario, Vinogradov se aparta al máximo de este estilo. Sutil dibujante y observador-filósofo, pinta paisajes y vistas urbanas reflejadas en escaparates y ventanas de trenes.
"Qué hay que hacer" [Chto delat]. Partisan Songspiel, Una historia de Belgrado, 2009
chtodelat.orgEl nombre del grupo es una referencia a la novela del filósofo del siglo XIX Nikolái Chernishevski (¿Chto Delat?) y al folleto político posterior de Lenin. El grupo está formado por artistas, críticos, filósofos y escritores de San Petersburgo, Moscú y Nizhni Nóvgorod. Su producción incluye exposiciones de arte (instalaciones o proyectos en espacios públicos), publicación de periódicos, puesta en escena de obras de teatro y performances, así como actividades educativas, activistas y curatoriales.
¿Chto Delat? Estudiar,Estudiar y volver a actuar, 2014
Museo Nacional Centro de Arte Reina SofíaSegún el nombre, la posición del grupo es crítica con el capitalismo moderno y el orden social que crea, y lucha por la liberación de la actividad creativa y el arte del sistema de consumo y producción de entretenimiento. El trabajo del grupo se presenta en muchos museos, incluido el MoMA de Nueva York y el Centro Pompidou de París.
Ustina Yákovleva. Sin título, 2019
ustinayakovleva.comYákovleva comenzó con la pintura abstracta, donde la imagen, pintada con pequeños trazos a la manera de los aborígenes australianos, parece crecer como un organismo vivo, llenando todo el lienzo o secciones individuales.
Ustina Yákovleva. De la serie "Círculos" (IV), 2019.
ustinayakovleva.comMás tarde, pasó de las formas biomórficas a la creación de objetos de arte y esculturas a partir de telas que se asemejan a moluscos privados de su hábitat habitual. Utiliza ricos bordados, adornando generosamente sus objetos con cuentas y otros elementos y patrones decorativos, como si compitiera con la naturaleza.
Elikuka. El poder del arte, 2021
MAMM/MDFEl dúo de Oleg Yeliseiev (nacido en 1985) y Yevgueni Kukoverov (nacido en 1984). Además de objetos de arte hechos a partir de elementos cotidianos e instalaciones interactivas, los artistas crean música en algún lugar entre la nueva ola y el punk, además de artes escénicas y pintura.
Grupo EliKuka. "Revuelta de los simuladores del orden mundial".
kandinsky-prizeSu trabajo está imbuido de un talante travieso, una actitud irónica hacia lo mundano, detrás de la cual se esconde la crítica a la jerarquía de la sociedad y el consumismo, así como el deseo de liberar al espectador de las presiones de la era digital.
De la exposición 'Aperto Raum' comisariada por Alice Yoffe, 2019
Alice YoffeAutora de obras gráficas y pictóricas de gran formato que reaccionan a la actualidad social y política. El estilo, ejecutado en blanco y negro, se acerca al expresionismo.
Alice Yoffe. Supremática desnuda, 2019
Galería TretiakovLa artista crea sus obras de forma espontánea, dibujando directamente sobre lienzo o a partir de bocetos digitales. Llamaron la atención de las marcas de moda y resultaron en colaboraciones con Comme des Garçons y Maison Margiela. Yofe ha realizado exposiciones individuales en Rusia y Europa.
Vadim Zajarov. Bauhaus Torah, 2002
Fundación de Arte StellaOtro de la generación de la nueva ola de la década de 1980 del conceptualismo de Moscú. En su arte, como muchos otros, combina la textualidad con elementos del arte callejero, burlándose suavemente de la generación de los 70. Tras emigrar a Alemania, Zajarov cambió su tono humorístico a algo más romántico.
Instalación Danaë de Vadim Zajarov en el pabellón ruso de la 55ª bienal de arte de Venecia, 2013.
AFPSu arte es una reflexión interminable, un hipertexto que entreteje recuerdos personales, sensaciones y vivencias del arte y la literatura. Representó a Rusia en la Bienal de Venecia en 2013.
Ana Zhelud. Casa al borde de la carretera, 2019
Oleg KrasnovYa sea que esté doblando esculturas con barras de hierro o pintando objetos cotidianos, los contornos resultantes son la esencia de las cosas, los “nervios” del sentimiento. Tanto sus esculturas como sus pinturas son muy gráficas.
Ana Zhelud. Baile de las Damas. 2008
Colección de Ekaterina y Vladímir SemenijinZhelud es un artista de la reflexión, no de la conmoción. Y a pesar de su participación en el programa principal de la 53.ª Bienal de Venecia en 2009, siguió adelante con una exposición gratuita de sus obras en Moscú en 2012 y abrió un espacio “sin galería” en la región de Moscú, donde el comercio no manda. .
Arseni Zhiliaev. Museo de la Cultura Proletaria: La industrialización de Bohemia German Bazashvili (CC BY-SA 3.0)
German Bazashvili (CC BY-SA 3.0)Licenciado en filosofía, este artista de Voronezh se sintió atraído primero por la conceptualización del marxismo radical y luego por el “cosmismo” ruso. A partir de las ideas de este último, a Zhilaev se le ocurrió el concepto de crear museos imaginarios, libres de tener que exhibir arte canónico o generalmente reconocido.
Arseni Zhiliaev. Fragmento de la instalación "Tsiolkovsky. Segundo advenimiento".
Museo de Arte Contemporáneo GarageLas “instituciones” que creó, en forma de instalaciones totales, cautivaron al público en muchos museos y galerías reales de todo el mundo, y las más memorables se exhibieron en la Galería Tretíakov de Moscú y en el Palazzo Tre Oci de Venecia como parte de la Bienal 2015.
Cobertizo del banco. Más allá del centro, Novo-Molokovo, Rusia, 2019.
El grupo ZIPHabiéndose formado en 2009 mientras trabajaba en la planta de instrumentos de medición de Krasnodar (ZIP), Eldar Ganeiev, Yevgueni Rimkevich y Vasili y Stepán Subotin animaron la escena artística de Moscú un año después con su irónica instalación Esquina Viviente, realizada en su estilo favorito, “estética de la interacción”.
Obra del grupo Zip expuesta en la exposición "Trabajador y agricultor colectivo. Archivo personal" en Moscú
Yevgueni Biyatov/SputnikDesde entonces, han trabajado juntos no solo en instalaciones interactivas a gran escala, sino también en proyectos culturales, incluida la fundación del Instituto de Arte Contemporáneo de Krasnodar, el Centro Cultural de Tipografía y una residencia de arte en el pueblo de Piatijatki.
Konstantín Zvezdochetov. Che Guevara, 2000
VladeyEl exponente más irónico del artista contemporáneo ruso creó sus primeros proyectos importantes a fines de la década de 1970, incluido el grupo de arte Mujomori, conocido por sus actuaciones de parodia. Los artistas se burlaban del patetismo metafísico de los padres de la “segunda vanguardia”, esforzándose por ser lo más diferentes posible a ellos.
Konstantín Zvezdochetov. Triunfo y tentación de Aybolit. 2006
Colección de Ekaterina y Vladímir SemenijinZvezdochetov también conservó un tono satírico en su obra posterior. Su arte es una mezcla de caricatura soviética, cine y prensa sensacionalista, que coincidía mucho con el espíritu de la década de 1990-2000.
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